Sofiya Belousova: Sobre Simbolismo, Confiança e a Arte dos Bodis

O caminho de Sofiya Belousova até à tatuagem passou pela moda, pela arquitetura de interiores e pelo design. Nesta entrevista, ela fala sobre o significado pessoal por detrás do trabalho em grande escala, das relações construídas ao longo de anos a tatuar e do papel do preto sólido numa composição.

1. Quando percebeu pela primeira vez que a tatuagem era o caminho que queria seguir?

A arte sempre foi uma constante na minha vida, mas a tatuagem surgiu, na verdade, relativamente tarde. Cresci na Rússia, passei muito tempo a desenhar e frequentei aulas noturnas numa universidade de arquitetura enquanto ainda estava na escola. Quando me mudei para o Reino Unido, segui inicialmente a moda, depois a arte e o design, e acabámos por estudar Arquitetura de Interiores na universidade. Adorava ser criativa, mas, naquela altura, não acreditava realmente que a arte, por si só, me pudesse proporcionar uma carreira sustentável.

Depois da universidade, trabalhei em design de interiores e, mais tarde, abri um negócio de têxteis para o lar, onde desenhei tudo, desde os próprios produtos até à identidade visual e ao website. Depois veio a COVID, o negócio tornou-se cada vez mais difícil de desenvolver e comecei a repensar o que realmente queria fazer. Trabalhava como freelancer em design gráfico e web para sustentar-me a mim e ao meu filho, mas sabia que queria algo mais gratificante a nível criativo.

Por volta dessa altura, estava a tatuar as costas com o meu amigo J Becerra, que é proprietário do estúdio onde agora trabalho. Estava a falar com ele sobre a incerteza em relação ao meu futuro e a dizer que queria fazer algo mais artístico, mas continuar a trabalhar por conta própria. Ele olhou para mim e disse: “Porque não estás a tatuar?”

E eu realmente não tinha uma resposta.

Sempre adorei tatuagens, ia a convenções e sentia-me atraída pela indústria e pelas pessoas que nela trabalhavam, mas, por algum motivo, nunca tinha considerado a tatuagem como algo que realmente pudesse fazer. No entanto, assim que ele disse aquilo, não consegui parar de pensar nisso. De repente, pareceu-me incrivelmente óbvio: combinava arte, independência, desenvolvimento criativo constante e uma comunidade onde já me sentia em casa.

Acabei por perguntar ao J Becerra se podia fazer um estágio no estúdio. Na altura, não havia realmente espaço para outro estagiário, por isso enviei-lhe uma lista de todas as razões pelas quais achei que seria um trunfo para a equipa e disse-lhe que estava disposta a mudar-me de Hertfordshire para Ipswich para tornar isso realidade. Eles disseram que sim, e em poucas semanas já me tinha mudado e começado o meu estágio.

Olhando para trás, a tatuagem não era algo que tivesse sempre planeado fazer. Foi mais como se tivesse passado anos a descobrir todas as características individuais de que precisava numa carreira e, de repente, percebi que havia uma profissão que as reunia todas.

“Para mim, o simbolismo tem de ser, antes de mais, compreensível para a pessoa que o ostenta.”

— Sofiya Belousova

2. Pesquisa mitologia e simbolismo para os seus desenhos, especialmente para os bodysuits. Há algum mito ou símbolo que se repita no seu trabalho?

Pesquiso mitologia e simbolismo de forma bastante aprofundada, mas muitas vezes essa pesquisa é motivada pelo que os meus clientes me trazem e pelos significados que atribuem pessoalmente a determinados símbolos. Na verdade, estou muito mais interessada na relação pessoal que alguém desenvolve com um símbolo, elemento ou personificação do que em ficar estritamente limitada pelo seu significado histórico. Para mim, o simbolismo tem de ser, antes de mais, compreensível para a pessoa que o ostenta.

Dito isto, há temas recorrentes para os quais me sinto naturalmente atraída. Transformação, proteção, morte e renascimento, identidade, força e liminaridade aparecem em diferentes formas ao longo do meu trabalho. São ideias amplas, mas podem ser expressas através de uma enorme variedade de linguagens visuais.

No caso dos bodysuits em particular, a ideia recorrente a que mais me apego é a do empoderamento. Quero que alguém se sinta empoderado pelo design que ostenta, seja o que for isso especificamente para essa pessoa. Para uma pessoa, isso pode advir puramente do blackwork abstrato e da forma como as formas interagem com o seu corpo e o esculpem. Para outra, pode estar enraizado na mitologia, numa flor, num pássaro, num animal ou noutro símbolo que tenha um significado muito pessoal.

No entanto, por vezes, desenho bodysuits sem ter em mente nenhuma pessoa em particular. Nesses casos, a linguagem simbólica torna-se inevitavelmente mais pessoal para mim. Costumo inspirar-me no que estou a viver ou a processar nesse momento da minha própria vida — o que me faria sentir empoderada nesse instante, que história estou a viver e o que me faria sentir vista ou compreendida pelo meu próprio design. Esses desenhos tornam-se quase um registo de onde eu estava psicológica e emocionalmente quando os criei.

Por isso, não creio que haja um mito ou símbolo em particular a que recorra continuamente. É mais como se o empoderamento fosse o fio condutor do trabalho, e a mitologia e o simbolismo fossem algumas das linguagens que utilizo para o expressar.

3. O que torna difíceis projetos grandes, como bodysuits ou peças muito grandes?

Para mim, a parte mais importante — e provavelmente a mais desafiante — acontece antes de se ter feito quase nada de tatuagem. É garantir que o meu cliente e eu estamos genuinamente alinhados.

Um bodysuit é um compromisso a longo prazo, que muitas vezes abrange vários anos, pelo que esse alinhamento tem de existir tanto a nível profissional como pessoal. Temos de ser capazes de comunicar bem, encontrar uma linguagem descritiva que nos permita desenvolver o design em conjunto e confiar que compreendemos a direção para a qual estamos a avançar. Essas primeiras conversas e sessões são incrivelmente importantes porque estabelecem a base de onde tudo o resto cresce.

Há também um aspeto muito pessoal no trabalho em algo durante tanto tempo. De certa forma, quando começo um bodysuit, estou a fazer um novo amigo que vou ver uma vez por mês durante os próximos anos. Torno-me uma presença regular na vida dessa pessoa. Por vezes, ela confia-me os seus pensamentos e histórias, e eu confio-lhe os meus. Outras vezes, o que ela precisa daquela sessão é simplesmente um espaço onde possa estar em silêncio. De qualquer forma, partilhamos uma quantidade considerável de tempo e passamos por um processo muito físico juntos, pelo que a relação e a confiança que dela resulta são extremamente importantes para mim.

Depois há os desafios técnicos. Está a desenhar num corpo tridimensional que se move e pode mudar ao longo dos anos em que está a trabalhar nele. Tem de pensar muito além da área imediatamente à sua frente e antecipar para onde as linhas e formas irão eventualmente seguir, como as diferentes secções se irão ligar e como toda a composição funcionará quando estiver concluída. Geralmente começo pelo tronco e trabalho para fora, pelo que essas primeiras sessões também servem para estabelecer um alinhamento noutro sentido: definir exatamente como o design se enquadra naquele corpo em particular antes de começarmos a criar profundidade e a desenvolvê-lo ainda mais.

A consistência ao longo do tempo é outro desafio. Se estou a trabalhar em diferentes secções de uma peça mês após mês, preciso de garantir que as minhas técnicas, tintas, abordagem e linguagem visual se mantêm consistentes, para que algo criado ao longo de dois anos ainda pareça uma peça coerente e não uma coleção de sessões individuais.

E, finalmente, há o compromisso prático de ambos. Tenho tido muita sorte com os meus clientes, porque as pessoas que me procuram para bodysuits geralmente compreendem o compromisso a que se estão a sujeitar. Mantenho as minhas taxas constantes durante todo o projeto e tento tornar as sessões regulares sustentáveis, porque, para mim, a continuidade do trabalho é muito mais importante do que ganhar o máximo possível numa sessão individual.

No fundo, nenhum de nós sabe exatamente onde estaremos daqui a dois anos quando começarmos. Estamos a comprometer o nosso tempo, confiança e recursos com algo que pretendemos levar a cabo juntos. Creio que essa incerteza, e a confiança necessária para a enfrentar, é provavelmente o maior desafio e também uma das partes mais significativas do trabalho em grande escala.

4. Existe algum artista, tatuador ou outra pessoa criativa que tenha influenciado significativamente o seu trabalho?

Sem dúvida. Tive uma sorte incrível, especialmente nos primeiros estágios da minha carreira, por ter aprendido num estúdio onde estava rodeada por artistas extremamente talentosos que se tornaram verdadeiros amigos, para além de mentores. Kat Abdy e J Becerra, em particular, foram provavelmente os que tiveram a maior influência direta na tatuadora que me tornei até agora.

Eles estiveram presentes enquanto eu desenvolvia a minha compreensão da tatuagem desde a base, pelo que a sua influência vai muito além de me terem ensinado competências técnicas. Ajudaram a moldar a forma como penso sobre composição, técnica, hierarquia visual e o que realmente importa dentro de um design. Mesmo agora, continuam a ser pessoas a quem posso recorrer para pedir conselhos, trocar ideias e colaborar. Sou incrivelmente grata por isso, porque creio que o ambiente em que aprendemos algo inevitavelmente se torna parte da base de como o praticamos.

Além disso, sou constantemente influenciada por outros artistas. Não tem de ser necessariamente alguém cuja linguagem visual se assemelhe à minha. Um artista a trabalhar numa escala completamente diferente ou num estilo diferente pode ter uma técnica impecável da qual posso aprender; outro pode ter uma compreensão incrível de valores e profundidade, ou uma abordagem invulgar à composição e à forma. Creio que a comunidade da tatuagem como um todo é uma enorme fonte de inspiração, e nunca quero chegar a um ponto em que deixe de olhar para o trabalho dos outros com curiosidade.

Grande parte da minha influência também vem de fora da tatuagem, em particular da arquitetura. Quando viajo, estou constantemente a fotografar edifícios, fachadas, afrescos, ornamentos e detalhes estruturais. O meu telemóvel está cheio de fotografias de coisas que provavelmente parecem completamente não relacionadas com a tatuagem, mas, eventualmente, algum fragmento de forma, ritmo ou composição acaba por encontrar o seu caminho na forma como desenho.

Por isso, embora a Kat e o J tenham sido, sem dúvida, as minhas influências diretas mais fortes como tatuadora, a inspiração para mim é muito mais ampla do que isso. Creio que, se continuarmos a olhar com atenção, há algo a aprender em quase todo o lado.

5. Que peça exigiu mais sessões? Quanto tempo no total?

Provavelmente foi o primeiro bodysuit completo que terminei. Na verdade, é bastante difícil calcular o número exato de sessões, porque trabalhámos nele de forma consistente ao longo de aproximadamente três anos, geralmente fazendo uma ou duas sessões por mês, com cada sessão a durar cerca de cinco a seis horas.

Portanto, no total, terão sido várias centenas de horas de tatuagem. Com projetos dessa escala, deixo de pensar neles em termos de sessões individuais depois de algum tempo. Tornam-se num processo contínuo que evolui gradualmente até que, um dia, recuo e percebo que construímos um bodysuit inteiro juntos.

“Pintar é a forma como me relaciono comigo mesma.”

— Sofiya Belousova

6. Qual foi a maior distância que alguém percorreu para ser tatuado por si?

Tive vários clientes que viajaram dos EUA e do Canadá, que provavelmente seriam os mais distantes geograficamente. Também recebo regularmente pessoas que viajam de toda a Europa, incluindo da Suíça e da Alemanha.

No entanto, um dos maiores compromissos veio do cliente com quem trabalhei no meu primeiro bodysuit completo. Ela viajava originalmente dentro do Reino Unido para as nossas sessões, mas, como estávamos a trabalhar num projeto de grande escala e a longo prazo, acabou por decidir mudar-se — literalmente para a rua em frente ao estúdio — para poder vir às sessões regularmente. Tendo em conta que trabalhámos no bodysuit durante aproximadamente três anos, foi um nível de compromisso bastante extraordinário!

7. Também pinta. Como é que pintar para si se compara com desenhar uma tatuagem para outra pessoa?

Pintar e tatuar ocupam espaços bastante diferentes para mim. A tatuagem é inerentemente relacional, enquanto que pintar é provavelmente uma das coisas mais voltadas para o interior que faço.

Quando pinto, há muito poucas limitações externas. Não estou a considerar a anatomia, a identidade, as preferências de outra pessoa ou os requisitos práticos de criar algo que viverá permanentemente noutra pessoa. Em vez disso, pintar torna-se um processo de descoberta. Pergunto-me onde estou emocional e mentalmente naquele momento em particular, o que estou a tentar compreender, ou talvez o que estou a tentar encarnar, e depois procuro uma imagem que possa expressar isso.

Sinto-me particularmente atraída por pintar mulheres, e muitas vezes a presença que estou a tentar criar importa-me tanto quanto o próprio tema. Por vezes, começo por ter interesse em explorar uma competência técnica em particular, especialmente porque pintar ainda é algo que estou ativamente a desenvolver, mas inevitavelmente o processo torna-se muito mais pessoal do que isso.

Assim que começo a trabalhar nos detalhes, pintar torna-se quase meditativo. Passar horas imersa numa imagem dá-me tempo para ir para o interior, refletir e processar o que quer que tenha feito querer criar aquilo inicialmente. Nesse sentido, a pintura terminada importa, mas também importa tudo o que acontece internamente enquanto a faço.

A tatuagem exige algo diferente de mim porque existe na intersecção entre eu e outra pessoa. É colaborativo, mesmo quando me é dada total liberdade criativa, porque o trabalho ainda tem de responder à pessoa que o vai ostentar — ao seu corpo, à sua identidade e a tudo o que ela traz para o processo. A minha linguagem visual está lá, mas está a encontrar a de outra pessoa.

Creio que a distinção mais simples é que a tatuagem é, para mim, em parte sobre como me relaciono com as outras pessoas. Pintar é como me relaciono comigo mesma.

8. Acha que as tatuagens ainda carregam o mesmo significado que tinham há décadas ou o seu significado cultural mudou?

Provavelmente não sou a melhor pessoa para fazer uma comparação definitiva, porque só estou a tatuar há quase seis anos. Não estava a trabalhar na indústria há décadas, por isso qualquer coisa que eu dissesse sobre como a cultura da tatuagem era naquela altura seria inevitavelmente baseada no que aprendi com outras pessoas, em vez de algo que eu própria tenha experienciado.

O que posso falar é algo que acho interessante na tatuagem agora, que é a quantidade de liberdade que as pessoas parecem sentir tanto ao atribuir o seu próprio significado ao que ostentam como ao pensar nos seus corpos como um todo.

Historicamente, muitas imagens de tatuagem carregaram significados estabelecidos, quer viessem de culturas, comunidades, tradições ou subculturas em particular. Essas histórias são importantes, e creio que compreender de onde vêm as imagens é importante. Mas o que me interessa na tatuagem agora é que as pessoas não sentem necessariamente que um símbolo tem de significar apenas o que lhes foi dito que significa.

O significado de uma tatuagem pode ser informado pela história sem ser completamente ditado por ela. As pessoas trazem as suas próprias experiências, associações e memórias para as imagens, e por vezes algo pode ter uma importância enorme para uma pessoa por razões que seriam completamente incompreensíveis para qualquer outra.

Outra coisa que tenho notado cada vez mais na minha própria prática é que as pessoas abordam a tatuagem com uma intenção visual muito mais ampla desde o início. Já tive clientes com poucas ou mesmo sem tatuagens existentes que vieram ter comigo querendo começar um bodysuit. Em vez de colecionarem peças individuais e preencherem gradualmente o espaço disponível, já pensam no corpo como uma composição completa — como o design fluirá por ele, como as diferentes áreas se relacionarão umas com as outras e que linguagem visual se tornará eventualmente.

Talvez essa seja uma das mudanças culturais sobre as quais posso falar a partir da minha própria experiência: parece cada vez mais aceite que as pessoas vejam o próprio corpo como uma tela, em vez de simplesmente como um lugar para colecionar peças de arte separadas. Para o tipo de trabalho de grande escala que faço, essa é uma mudança realmente interessante de testemunhar.

“Para mim, o preto é uma linguagem composicional.”

— Sofiya Belousova

9. As convenções ainda valem a pena?

Quando comecei a frequentar convenções como artista, as pessoas já diziam que as convenções não eram mais o que costumavam ser e questionavam se ainda valiam a pena. Eu não tenho realmente experiência para fazer essa comparação. Só conheço as convenções como são agora.

Comecei a frequentá-las muito cedo na minha carreira, mas este tem sido o primeiro ano em que viajei extensivamente e participei de várias convenções. Curiosamente, quanto mais frequento, mais valiosas elas se tornam — talvez não sempre pelos motivos que as pessoas tradicionalmente usam para medir se uma convenção “vale a pena”.

Eu não vou realmente a convenções com a intenção principal de vender produtos ou conseguir um certo número de novos clientes. Para mim, o valor delas é muito mais amplo. É uma oportunidade de mergulhar completamente num ambiente cheio de outras pessoas criativas: ver artistas incrivelmente talentosos a trabalhar, ter conversas que de outra forma não teria, trocar conhecimentos, colaborar, fazer novas ligações e voltar para casa criativamente energizada.

Algumas das pessoas que conheci através das convenções tornaram-se verdadeiramente amigos importantes. Outros encontros levaram a colaborações, oportunidades ou simplesmente conversas que mudaram a forma como penso sobre algo. Há também algo muito diferente em ver o trabalho de outro artista a acontecer fisicamente à sua frente, em vez de o experienciar através de um ecrã.

Claro, as convenções podem promover o seu trabalho, mas acho que isso acontece de uma forma muito menos linear do que esperar participar numa e calcular imediatamente o seu valor através de marcações ou vendas. Às vezes, o valor é uma relação que forma, algo que aprende, uma ideia com que volta para casa ou uma oportunidade que surge seis meses depois por causa de alguém que conheceu lá.

Penso nisso um pouco como a diferença entre estar em casa a folhear livros de arte e realmente ir a um museu. Pode aprender e inspirar-se com ambos, mas estar fisicamente imerso num ambiente onde a criatividade está a acontecer à sua volta é uma experiência completamente diferente. É isso que as convenções me dão. Elas reconectam-me com a comunidade de tatuagem mais ampla, e geralmente volto para casa com vontade de criar.

10. O que as pessoas entendem mal sobre o heavy blackwork?

Acho que um dos maiores equívocos é que o preto em si é o objetivo.

As pessoas muitas vezes assumem que o heavy blackwork é inerentemente pesado, dominante ou visualmente avassalador devido à quantidade de preto sólido envolvida. Eu vejo quase de forma oposta. Para mim, o preto é uma linguagem composicional. Ele esculpe o corpo, cria hierarquia e dá espaço e ênfase a tudo o que existe à sua volta e dentro dele.

Às vezes penso sobre o preto da mesma forma que penso sobre uma pausa na música. O silêncio não é vazio — ele muda a forma como experiencia as notas à sua volta. O preto pode fazer algo muito semelhante visualmente. Ele cria contraste, controla para onde os olhos viajam e dá aos elementos detalhados um lugar para existir. No meu trabalho, as áreas de preto sólido estão muitas vezes lá especificamente para enfatizar os lugares onde o preto não está.

É também por isso que o espaço negativo é tão importante no heavy blackwork. Quando está a trabalhar com valores tão fortes, cada pedaço de pele intocado torna-se parte da composição. A relação entre detalhe, pele e preto sólido é o que cria profundidade e permite que o trabalho esculpa em vez de simplesmente cobrir o corpo.

Há também um equívoco de que o heavy blackwork deve ser excecionalmente doloroso. Claro, tatuar dói e todos o experienciam de forma diferente, mas descobri que muitos clientes realmente se adaptam a grandes áreas de preto de forma surpreendente. A sensação pode ser bastante consistente, e assim que alguém encontra um ritmo com isso, às vezes pode entrar num estado quase meditativo.

Portanto, para mim, o heavy blackwork não é realmente sobre quanto preto pode colocar num corpo. É sobre entender o que esse preto faz — como ele muda o corpo visualmente, como interage com a pele intocada e o detalhe, e como a sua presença pode dar a tudo o resto mais poder.

Trabalho de tatuagem de Sofiya Belousova.

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