Sofiya Belousova: O symbolizmie, zaufaniu i sztuce tworzenia kombinezonów

Droga Sofiyi Belousowej do tatuażu prowadziła przez świat mody, architektury wnętrz i designu. W tej rozmowie opowiada o osobistym znaczeniu prac wielkoformatowych, relacjach budowanych przez lata tatuowania oraz roli głębokiej czerni w kompozycji.

1. Kiedy po raz pierwszy zrozumiałaś, że tatuowanie jest drogą, którą chcesz podążać?

Sztuka zawsze była stałym elementem mojego życia, ale tatuowanie pojawiło się w nim stosunkowo późno. Dorastałam w Rosji, spędzałam mnóstwo czasu na rysowaniu i uczęszczałam na wieczorowe zajęcia na uczelni architektonicznej, będąc jeszcze uczennicą. Kiedy przeprowadziłam się do Wielkiej Brytanii, początkowo zajmowałam się modą, potem sztuką i designem, a ostatecznie studiowałam architekturę wnętrz. Uwielbiałam tworzyć, ale wtedy nie wierzyłam, że sama sztuka może zapewnić mi stabilną karierę.

Po studiach pracowałam w branży projektowania wnętrz, a później założyłam firmę zajmującą się tekstyliami domowymi, w której projektowałam wszystko — od samych produktów po branding i stronę internetową. Potem przyszedł COVID, rozwój firmy stał się coraz trudniejszy, a ja zaczęłam zastanawiać się, czego tak naprawdę chcę. Pracowałam jako freelancerka w dziedzinie grafiki i projektowania stron internetowych, aby utrzymać siebie i syna, ale wiedziałam, że chcę czegoś bardziej satysfakcjonującego twórczo.

W tamtym czasie mój przyjaciel J Becerra tatuował mi plecy. J prowadzi studio, w którym teraz pracuję. Rozmawiałam z nim o tym, że nie mam pewności, dokąd zmierzam, i powiedziałam, że chcę robić coś bardziej artystycznego, ale nadal pracować na własny rachunek. Spojrzał na mnie i zapytał: „Dlaczego nie tatuujesz?”.

I naprawdę nie miałam odpowiedzi.

Zawsze kochałam tatuaże, chodziłam na konwencje i czułam przyciąganie do tej branży oraz ludzi, którzy w niej pracują, ale z jakiegoś powodu nigdy nie uważałam tatuowania za coś, co mogłabym faktycznie robić. Jednak gdy to powiedział, nie mogłam przestać o tym myśleć. Nagle wszystko wydało się niezwykle oczywiste: tatuowanie łączyło sztukę, niezależność, nieustanny rozwój twórczy i środowisko, w którym czułam się już jak w domu.

W końcu zapytałam J Becerrę, czy mogłabym odbyć u niego staż w studio. W tamtym czasie nie było miejsca dla kolejnego stażysty, więc wysłałam mu listę wszystkich powodów, dla których uważałam, że będę cennym członkiem zespołu, i powiedziałam, że jestem gotowa przeprowadzić się z Hertfordshire do Ipswich, aby to się udało. Odpowiedział, że tak, i w ciągu kilku tygodni przeprowadziłam się i rozpoczęłam staż.

Z perspektywy czasu widzę, że tatuowanie nie było czymś, co zawsze planowałam robić. Raczej przez lata pracowałam nad ustaleniem wszystkich poszczególnych elementów, jakich potrzebowałam w karierze, a potem nagle zdałam sobie sprawę, że istnieje jeden zawód, który je wszystkie zawiera.

„Dla mnie najważniejsze jest, aby symbolika była przede wszystkim zrozumiała dla osoby, która ją nosi.”

— Sofiya Belousova

2. Badasz mitologię i symbolikę pod swoje projekty, zwłaszcza bodysuity. Czy jest jakiś mit lub symbol, który nieustannie powraca w Twojej twórczości?

Badam mitologię i symbolikę dość dogłębnie, ale często inspiracją do tych badań są rzeczy, które przynoszą mi klienci, oraz znaczenia, jakie osobiście przypisują pewnym symbolom. W rzeczywistości znacznie bardziej interesuje mnie osobista relacja, jaką ktoś buduje z symbolem, elementem lub uosobieniem, niż ścisłe trzymanie się jego historycznego znaczenia. Dla mnie najważniejsze jest, aby symbolika była przede wszystkim zrozumiała dla osoby, która ją nosi.

Mówiąc o tym, że istnieją tematy, które naturalnie do mnie przyciągają. Transformacja, ochrona, śmierć i odrodzenie, tożsamość, siła oraz liminalność pojawiają się w różnych formach w całej mojej twórczości. To szerokie idee, ale można je wyrazić za pomocą ogromnej liczby języków wizualnych.

W przypadku bodysuitów idea, która powraca najczęściej i jest dla mnie najważniejsza, to poczucie sprawstwa. Chcę, aby ktoś czuł się wzmocniony dzięki projektowi, które nosi, niezależnie od tego, co dokładnie dla niego oznacza. Dla jednej osoby może to wynikać wyłącznie z abstrakcyjnego blackworku i sposobu, w jaki formy oddziałują na ciało i je modelują. Dla kogoś innego może mieć źródło w mitologii, konkretnym kwiatku, ptaku, zwierzęciu lub innym symbolu, który ma dla niego bardzo osobiste znaczenie.

Czasami jednak projektuję bodysuity bez konkretnej osoby na myśli. W takich przypadkach język symboliczny staje się dla mnie bardziej osobisty. Czerpię z tego, co przeżywam lub przetwarzam w danym momencie własnego życia — z tego, co sprawiłoby, że poczułabym się wtedy silniejsza, jaką historię aktualnie przeżywam i co sprawiłoby, że poczułabym się dostrzeżona lub zrozumiana przez własne projekt. Takie projekty stają się niemal zapisem tego, gdzie znajdowałam się psychicznie i emocjonalnie w momencie ich tworzenia.

Więc nie sądzę, aby był jakiś jeden konkretny mit lub symbol, do którego nieustannie wracam. Raczej poczucie sprawstwa jest nicią przewodnią mojej twórczości, a mitologia i symbolika to jedne z języków, których używam, aby je wyrazić.

3. Co jest najtrudniejsze w dużych projektach, takich jak bodysuity lub bardzo duże prace?

Dla mnie najważniejsza — i prawdopodobnie najtrudniejsza — część ma miejsce, zanim jeszcze powstanie większość tatuażu. Chodzi o to, aby upewnić się, że ja i mój klient jesteśmy naprawdę zgodni.

Bodysuit to długoterminowe zobowiązanie, często trwające kilka lat, więc ta zgoda musi istnieć zarówno na poziomie zawodowym, jak i osobistym. Musimy umieć się dobrze komunikować, znaleźć opisujący język, który pozwoli nam wspólnie rozwijać projekt, i ufać, że rozumiemy kierunek, w którym zmierzamy. Te pierwsze rozmowy i spotkania są niezwykle ważne, ponieważ tworzą fundament, na którym wyrasta wszystko pozostałe.

Praca nad czymś przez tak długi czas ma również bardzo osobisty wymiar. W pewnym sensie, zaczynając bodysuit, zyskuję nowego przyjaciela, którego będę widywać raz w miesiącu przez najbliższe kilka lat. Staję się stałą obecnością w życiu tej osoby. Czasami powierza mi swoje myśli i historie, a ja powierzam jej swoje. Innym razem tego, czego potrzebuje podczas spotkania, jest po prostu przestrzeń, w której może zapanować cisza. Niezależnie od tego, spędzacie razem sporo czasu i przechodzicie przez bardzo fizyczny proces, dlatego relacja i zaufanie, jakie się z niej wywodzi, mają dla mnie ogromne znaczenie.

Do tego dochodzą wyzwania techniczne. Projektujesz na trójwymiarowym ciele, które się porusza i może zmieniać się przez lata pracy nad nim. Musisz myśleć daleko poza obszar znajdujący się bezpośrednio przed Tobą i przewidywać, gdzie ostatecznie poprowadzą linie i formy, jak połączą się różne sekcje oraz jak cała kompozycja będzie wyglądać po ukończeniu. Zazwyczaj zaczynam od tułowia i pracuję na zewnątrz, więc te pierwsze spotkania służą również ustaleniu zgodności w innym sensie: precyzyjnemu określeniu, jak projekt pasuje do tego konkretnego ciała, zanim zaczniemy budować głębię i rozwijać go dalej.

Spójność w czasie jest kolejnym wyzwaniem. Jeśli miesiąc po miesiącu pracuję nad różnymi częściami projektu, muszę zadbać o to, aby moje techniki, tusze, podejście i język wizualny pozostawały spójne, tak aby coś stworzone przez dwa lata nadal wyglądało jak jedna spójna praca, a nie jak zbiór pojedynczych spotkań.

I wreszcie jest jeszcze praktyczne zobowiązanie po obu stronach. Mam ogromne szczęście, że moi klienci, którzy zgłaszają się do mnie z prośbą o bodysuit, zazwyczaj rozumieją, na co się piszą. Utrzymuję stałe stawki przez cały czas trwania ich projektu i staram się, aby regularne spotkania były dla nich dostępne, ponieważ dla mnie ciągłość pracy jest znacznie ważniejsza niż zarobienie jak największej kwoty z pojedynczego spotkania.

Ostatecznie żadne z nas nie wie dokładnie, gdzie nasze życie będzie za dwa lata, gdy tylko zaczniemy. Zobowiązujemy swój czas, zaufanie i zasoby do czegoś, co zamierzamy wspólnie doprowadzić do końca. Myślę, że ta niepewność i wymagane w jej ramach zaufanie są prawdopodobnie największym wyzwaniem, a zarazem jednym z najbardziej znaczących aspektów pracy na taką skalę.

4. Czy jest artysta, tatuator lub inna osoba twórcza, która w znaczący sposób wpłynęła na Twoją twórczość?

Zdecydowanie. Miałam ogromne szczęście, zwłaszcza na początku kariery, że mogłam uczyć się w studio, gdzie otaczały mnie niezwykle utalentowani artyści, którzy stali się moimi prawdziwymi przyjaciółmi, a nie tylko mentorami. Kat Abdy i J Becerra miały prawdopodobnie największy bezpośredni wpływ na to, jaką tatuatorką się stałam.

Były przy mnie, gdy od podstaw rozwijałam swoją wiedzę o tatuowaniu, więc ich wpływ sięga znacznie dalej niż nauka mnie umiejętności technicznych. Pomogły mi ukształtować sposób myślenia o kompozycji, technice, hierarchii wizualnej i o tym, co naprawdę ma znaczenie w projekcie. Nawet teraz mogę do nich zwrócić się po radę, wymieniać z nimi pomysły i współpracować. Jestem za to niezwykle wdzięczna, ponieważ uważam, że środowisko, w którym się czegoś uczysz, nieuchronnie staje się częścią fundamentu Twojej praktyki.

Poza tym nieustannie czerpię inspirację od innych artystów. Nie musi to być ktoś, czyj język wizualny przypomina mój. Artysta pracujący na zupełnie innej skali lub w innym stylu może mieć nieskazitelną technikę, z której mogę się uczyć; ktoś inny może mieć niesamowitą wiedzę o wartości i głębi lub nietypowe podejście do kompozycji i formy. Uważam, że cała społeczność tatuowania jest ogromnym źródłem inspiracji i nigdy nie chcę dojść do momentu, w którym przestanę z ciekawością przyglądać się pracom innych.

Dużo inspiracji czerpię również spoza świata tatuowania, zwłaszcza z architektury. Kiedy podróżuję, nieustannie fotografuję budynki, fasady, freski, zdobienia i detale konstrukcyjne. Mój telefon jest pełen zdjęć rzeczy, które prawdopodobnie nie mają z tatuowaniem absolutnie nic wspólnego, ale z czasem jakiś fragment formy, rytmu lub kompozycji znajduje swoją drogę do moich projektów.

Choć Kat i J bez wątpienia były moimi najsilniejszymi bezpośrednimi wpływami jako tatuatorki, inspiracja jest dla mnie znacznie szersza. Myślę, że jeśli tylko patrzy się uważnie, można znaleźć coś do nauki niemal wszędzie.

5. Która praca wymagała od Ciebie najwięcej spotkań? Ile to było łącznie?

Prawdopodobnie był to pierwszy kompletny bodysuit, który ukończyłam. W rzeczywistości trudno obliczyć dokładną liczbę spotkań, ponieważ pracowaliśmy nad nim konsekwentnie przez około trzy lata, zazwyczaj odbywając jedno lub dwa spotkania w miesiącu, z których każde trwało od pięciu do sześciu godzin.

W sumie było to więc kilkaset godzin tatuowania. Przy projektach tej skali po pewnym czasie przestaję o nich myśleć w kategoriach pojedynczych spotkań. Stają się one trwającym procesem, który stopniowo ewoluuje, aż pewnego dnia cofnę się i zrozumiem, że wspólnie stworzyliśmy cały bodysuit.

„Malowanie to sposób, w jaki odnoszę się do samej siebie.”

— Sofiya Belousova

6. Jak daleko ktoś musiał przyjechać, aby zostać przez Ciebie zapiętą?

Miałam kilku klientów, którzy przyjeżdżali ze Stanów Zjednoczonych i Kanady, co prawdopodobnie było najdalszą odległością geograficzną. Regularnie również goszczą u mnie osoby z całej Europy, w tym ze Szwajcarii i Niemiec.

Jedno z największych zobowiązań przyszło jednak od klientki, z którą pracowałam nad moim pierwszym ukończonym bodysuitem. Początkowo podróżowała po Wielkiej Brytanii na nasze spotkania, ale ponieważ pracowaliśmy nad tak dużym, długoterminowym projektem, ostatecznie zdecydowała się przeprowadzić — dosłownie naprzeciwko studia — aby mogła regularnie przychodzić na spotkania. Biorąc pod uwagę, że pracowaliśmy nad bodysuitem przez około trzy lata, był to naprawdę niezwykły poziom zaangażowania!

7. Malujesz również. Jak malowanie dla siebie różni się od projektowania tatuażu dla kogoś innego?

Malowanie i tatuowanie zajmują dla mnie zupełnie inne miejsce. Tatuowanie z natury jest relacyjne, podczas gdy malowanie jest prawdopodobnie jedną z moich najbardziej introspektywnych czynności.

Kiedy maluję, ograniczenia zewnętrzne są znikome. Nie biorę pod uwagę anatomii, tożsamości, preferencji kogoś innego ani praktycznych wymagań stworzenia czegoś, co będzie na stałe noszone przez inną osobę. Zamiast tego malowanie staje się procesem odkrywania. Pytam siebie, gdzie emocjonalnie i mentalnie się znajduję w tym konkretnym momencie, czego próbuję zrozumieć lub być może co chcę ucieleśnić, a następnie szukam obrazu, który może to wyrazić.

Szczególnie lubię malować kobiety, a często tworzona przeze mnie obecność jest dla mnie równie ważna jak sam temat. Czasami zaczynam od chęci zgłębienia konkretnej umiejętności technicznej, zwłaszcza że malarstwo wciąż jest czymś, co aktywnie rozwijam, ale nieuchronnie proces staje się znacznie bardziej osobisty.

Gdy tylko zacznę pracować nad detalami, malowanie staje się niemal medytacją. Spędzanie godzin na zanurzeniu się w obrazie daje mi czas, aby zajrzeć w głąb siebie, zastanowić się i przetworzyć wszystko, co początkowo skłoniło mnie do jego stworzenia. W tym sensie gotowe malarstwo ma znaczenie, ale równie ważne jest wszystko, co dzieje się wewnątrz mnie podczas jego tworzenia.

Tatuowanie wymaga ode mnie czegoś innego, ponieważ istnieje na styku mnie i innej osoby. Jest wspólne, nawet gdy daję pełną swobodę twórczą, ponieważ praca nadal musi odpowiadać osobie, która będzie ją nosić — jej ciału, tożsamości i wszystkiemu, co wnosi do tego procesu. Mój język wizualny jest obecny, ale spotyka się z językiem kogoś innego.

Najprostsze rozróżnienie polega na tym, że tatuowanie jest dla mnie w dużej mierze sposobem, w jaki odnoszę się do innych ludzi. Malarstwo to sposób, w jaki odnoszę się do samej siebie.

8. Czy uważasz, że tatuaże wciąż niosą to samo znaczenie, co kilkadziesiąt lat temu, czy ich znaczenie kulturowe uległo zmianie?

Prawdopodobnie nie jestem najlepszą osobą, aby dokonać jednoznacznego porównania, ponieważ tatuuję od niecałych sześciu lat. Kilkadziesiąt lat temu nie pracowałam w tej branży, więc wszystko, co mogłabym powiedzieć o tym, jak wtedy wyglądała kultura tatuażu, byłoby nieuchronnie oparte na tym, czego nauczyłam się od innych, a nie na własnych doświadczeniach.

Mogę mówić o tym, co obecnie uważam za interesujące w tatuowaniu, czyli o tym, jak dużą swobodę ludzie zdają się mieć zarówno w nadawaniu własnego znaczenia temu, co noszą, jak i w myśleniu o swoim ciele jako całości.

Historycznie wiele motywów tatuażowych niosło ustalone znaczenia, niezależnie od tego, czy pochodziły one z konkretnych kultur, społeczności, tradycji czy subkultur. Te historie są ważne i uważam, że zrozumienie pochodzenia motywów ma znaczenie. Ale to, co obecnie interesuje mnie w tatuowaniu, to fakt, że ludzie niekoniecznie uważają, że symbol musi oznaczać tylko to, co im powiedziano.

Znaczenie tatuażu może być inspirowane historią, ale nie musi być przez nią całkowicie determinowane. Ludzie wnoszą do motywów własne doświadczenia, skojarzenia i wspomnienia, a czasem coś może mieć dla danej osoby ogromne znaczenie z powodów, które byłyby dla każdego innego zupełnie niezrozumiałe.

Jeszcze jedną rzeczą, którą zauważam coraz częściej we własnej praktyce, jest to, że ludzie podchodzą do tatuażu z dużo szerszą wizją od samego początku. Miałam klientów, którzy mieli niewiele lub w ogóle żadnych wcześniejszych tatuaży, a chcieli zacząć od całego bodysuitu. Zamiast zbierać pojedyncze prace i stopniowo wypełniać dostępne miejsce, już na wstępie myśleli o swoim ciele jako o jednej, kompletnej kompozycji — o tym, jak praca będzie się na nim układać, jak różne obszary będą ze sobą współgrać i jaką ostatecznie formę przyjmie cała wizualna koncepcja.

Być może to właśnie jedna z tych zmian kulturowych, o których mogę mówić z własnego doświadczenia: coraz częściej ludzie postrzegają samo ciało jako płótno, a nie tylko miejsce, na którym można zbierać osobne projekty. W przypadku wykonywanych przeze mnie prac o dużej skali jest to naprawdę interesująca zmiana.

„Dla mnie czerń jest językiem kompozycyjnym.”

— Sofiya Belousova

9. Czy konwencje wciąż są tego warte?

Kiedy zaczęłam uczestniczyć w konwencjach jako artystka, ludzie już wtedy mówili, że nie są one takie jak dawniej, i zastanawiali się, czy wciąż warto w nich brać udział. Nie mam wystarczającego doświadczenia, by dokonać takiego porównania. Znam tylko konwencje takie, jakimi są obecnie.

Zaczęłam uczestniczyć w nich bardzo wcześnie w swojej karierze, ale to był pierwszy rok, w którym dużo podróżowałam i brałam udział w wielu konwencjach. Co ciekawe, im częściej w nich uczestniczyłam, tym bardziej uważałam je za wartościowe — być może jednak nie zawsze z powodów, jakimi ludzie tradycyjnie mierzą, czy konwencja jest „tego warta”.

Nie uczestniczę w konwencjach głównie po to, by sprzedawać produkty czy pozyskać określoną liczbę nowych klientów. Dla mnie ich wartość jest znacznie szersza. To okazja, by całkowicie zanurzyć się w środowisku pełnym innych kreatywnych osób: obserwować pracę niezwykle utalentowanych artystów, rozmawiać z ludźmi, z którymi inaczej nie miałabym okazji rozmawiać, wymieniać się wiedzą, współpracować, nawiązywać nowe znajomości i wracać do domu z nową energią twórczą.

Niektórzy ludzie, których poznałam na konwencjach, stali się naprawdę ważnymi przyjaciółmi. Inne spotkania zaowocowały współpracą, możliwościami lub po prostu rozmowami, które zmieniły mój sposób myślenia o czymś. Widok pracy innego artysty powstającej na żywo, tuż przed nami, a nie przez ekran, również daje zupełnie inne odczucia.

Oczywiście konwencje mogą promować Twoją pracę, ale uważam, że dzieje się to w znacznie mniej bezpośredni sposób, niż można by oczekiwać, biorąc udział w jednej i od razu obliczając jej wartość na podstawie liczby rezerwacji lub sprzedaży. Czasami wartością jest nawiązana relacja, coś, czego się nauczysz, pomysł, z którym wrócisz do domu, lub możliwość, która pojawi się pół roku później dzięki komuś, kogo poznałaś tam.

Trochę jak różnica między siedzeniem w domu i przeglądaniem albumów sztuki, a faktycznym pójściem do muzeum. Z obu tych rzeczy można się uczyć i czerpać inspirację, ale fizyczne zanurzenie się w środowisku, w którym wokół Ciebie tworzy się sztuka, to zupełnie inne doświadczenie. To właśnie dają mi konwencje. Pozwalają mi ponownie połączyć się z szerszą społecznością tatuażu, a zazwyczaj wracam do domu z ochotą do tworzenia.

10. Co ludzie rozumieją źle w przypadku heavy blackwork?

Uważam, że jednym z największych nieporozumień jest przekonanie, że sama czerń jest celem.

Ludzie często zakładają, że heavy blackwork jest z natury ciężki, dominujący lub przytłaczający wizualnie ze względu na dużą ilość jednolitej czerni. Ja widzę to niemal w przeciwny sposób. Dla mnie czerń jest językiem kompozycyjnym. Rzeźbi ciało, tworzy hierarchię i daje przestrzeń oraz akcentuje wszystko, co znajduje się wokół niej i wewnątrz niej.

Czasami myślę o czerni tak samo, jak o pauzie w muzyce. Cisza nie jest pusta — zmienia sposób, w jaki odbierasz dźwięki wokół niej. Czerń może robić coś bardzo podobnego wizualnie. Tworzy kontrast, kontroluje kierunek ruchu wzroku i daje szczegółom miejsce do istnienia. W mojej pracy obszary jednolitej czerni często służą konkretnie do podkreślenia miejsc, w których jej nie ma.

Dlatego właśnie negative space jest tak ważny w heavy blackwork. Kiedy pracujesz z tak silnymi wartościami, każdy fragment nienaruszonej skóry staje się częścią kompozycji. Relacja między detalem, skórą a jednolitą czernią tworzy głębię i pozwala pracy rzeźbić ciało, zamiast po prostu je pokrywać.

Istnieje również przekonanie, że heavy blackwork musi być wyjątkowo bolesny. Oczywiście tatuaż boli i każdy odczuwa go inaczej, ale zauważyłam, że wielu klientów zaskakująco dobrze znosi duże obszary czerni. Odczucie może być dość stałe, a gdy tylko ktoś odnajdzie odpowiedni rytm, czasem może wejść w niemal medytacyjny stan.

Dlatego dla mnie heavy blackwork nie polega na tym, ile czerni można umieścić na ciele. Chodzi o zrozumienie, co ta czerń robi — jak zmienia ciało wizualnie, jak współgra z nienaruszoną skórą i detalami oraz jak jej obecność może nadać wszystkiemu innemu więcej siły.

Prace tatuażowe Sofiyi Belousovej.

Śledź Sofiyę na Instagramie: @sofiyabelousova