Sofiya Belousova: sul simbolismo, la fiducia e l'arte dei body

Il percorso di Sofiya Belousova verso il tatuaggio è passato per la moda, l'architettura d'interni e il design. In questa intervista, discute del significato personale dietro le opere di grandi dimensioni, delle relazioni costruite in anni di tatuaggi e del ruolo del nero pieno in una composizione.

1. Quando hai capito per la prima volta che il tatuaggio era la strada che volevi intraprendere?

L'arte era sempre stata una costante nella mia vita, ma il tatuaggio è arrivato in realtà piuttosto tardi. Crescendo in Russia, ho passato molto tempo a disegnare e ho seguito corsi serali presso un'università di architettura mentre ero ancora a scuola. Quando mi sono trasferita nel Regno Unito, inizialmente mi sono dedicata alla moda, poi all'arte e al design, e infine ho studiato Architettura d'Interni all'università. Amavo essere creativa, ma a quel punto non credevo davvero che l'arte da sola potesse garantirmi una carriera sostenibile.

Dopo l'università, ho lavorato nel design d'interni e in seguito ho avviato un'attività di articoli tessili per la casa, dove ho progettato tutto, dai prodotti stessi al branding e al sito web. Poi è arrivato il COVID, l'attività è diventata sempre più difficile da far crescere e mi sono ritrovata a rivalutare cosa volevo davvero fare. Lavoravo come freelance nel graphic e web design per mantenermi e mio figlio, ma sapevo di volere qualcosa di più appagante dal punto di vista creativo.

Intorno a quel periodo, mi stavano tatuando la schiena il mio amico J Becerra, che è il proprietario dello studio dove lavoro ora. Gli stavo parlando del fatto che non ero sicura di dove stessi andando e dicevo che volevo fare qualcosa di più artistico, pur continuando a lavorare per conto mio. Lui mi ha semplicemente guardata e ha detto: “Perché non ti tatui?”

E sinceramente non avevo una risposta.

Avevo sempre amato i tatuaggi, frequentavo le convention e mi sentivo attratta dal settore e dalle persone che vi lavoravano, ma per qualche motivo non avevo mai considerato il tatuaggio come qualcosa che avrei potuto davvero fare. Tuttavia, una volta che l'ha detto, non riuscivo a smettere di pensarci. All'improvviso sembrava incredibilmente ovvio: univa arte, indipendenza, costante sviluppo creativo e una comunità in cui mi sentivo già a casa.

Alla fine ho chiesto a J Becerra se avrei potuto fare apprendistato nello studio. In quel momento non c'era davvero spazio per un altro apprendista, quindi gli ho inviato un elenco di tutte le ragioni per cui pensavo di poter essere una risorsa per la squadra e gli ho detto che ero disposta a trasferirmi dall'Hertfordshire a Ipswich per realizzarlo. Hanno detto di sì, e in poche settimane mi ero trasferita e avevo iniziato il mio apprendistato.

Ripensandoci, il tatuaggio non era qualcosa che avevo sempre pianificato di fare. Era più come se avessi passato anni a capire tutte le singole cose di cui avevo bisogno in una carriera, e poi all'improvviso mi fossi resa conto che esisteva un'unica professione che le conteneva tutte.

“Per me, il simbolismo deve essere leggibile prima di tutto dalla persona che lo indossa.”

— Sofiya Belousova

2. Ricerchi mitologia e simbolismo per i tuoi design, specialmente per i bodysuit. C'è un mito o un simbolo che ritorna continuamente nel tuo lavoro?

Faccio ricerche piuttosto approfondite su mitologia e simbolismo, ma spesso tale ricerca è stimolata da ciò che i miei clienti portano a me e dai significati che attribuiscono personalmente a determinati simboli. In realtà, sono molto più interessata alla relazione personale che qualcuno sviluppa con un simbolo, un elemento o una personificazione, piuttosto che essere strettamente vincolata dal suo significato storico. Per me, il simbolismo deve essere leggibile prima di tutto dalla persona che lo indossa.

Detto questo, ci sono sicuramente temi ricorrenti verso cui sono naturalmente attratta. Trasformazione, protezione, morte e rinascita, identità, forza e liminalità appaiono in forme diverse in tutto il mio lavoro. Sono idee ampie, ma possono essere espresse attraverso un'enorme gamma di linguaggi visivi.

Con i bodysuit in particolare, l'idea ricorrente che mi sta più a cuore è l'empowerment. Voglio che qualcuno si senta empowered dal design che indossa, qualunque cosa questo significhi specificamente per lui. Per una persona, questo potrebbe derivare puramente dal blackwork astratto e dal modo in cui le forme interagiscono con il suo corpo e lo scolpiscono. Per un'altra persona, potrebbe essere radicato nella mitologia, in un fiore particolare, in un uccello, in un animale o in un altro simbolo che porta un significato molto personale.

A volte, però, progetto bodysuit senza avere in mente una persona particolare. In quei casi, il linguaggio simbolico diventa inevitabilmente più personale per me. Tendo a trarre ispirazione da ciò che sto vivendo o elaborando in quel momento della mia vita — cosa mi farebbe sentire empowered in quel momento, quale storia sto vivendo attualmente e cosa mi farebbe sentire vista o compresa dal mio stesso design. Quei design diventano quasi un registro di dove mi trovavo psicologicamente ed emotivamente quando li ho creati.

Quindi non penso che ci sia un mito o un simbolo particolare a cui torno continuamente. È più che l'empowerment è il filo conduttore del lavoro, e la mitologia e il simbolismo sono alcuni dei linguaggi che uso per esprimerlo.

3. Cosa c'è di difficile nei grandi progetti come i bodysuit o le opere molto grandi?

Per me, la parte più importante — e probabilmente la più impegnativa — avviene prima ancora che venga fatto molto tatuaggio. È assicurarsi che io e il mio cliente siamo veramente allineati.

Un bodysuit è un impegno a lungo termine, che spesso si protrae per diversi anni, quindi questo allineamento deve esistere sia a livello professionale che personale. Dobbiamo essere in grado di comunicare bene, trovare un linguaggio descrittivo che ci consenta di sviluppare il design insieme e avere fiducia che comprendiamo la direzione in cui stiamo andando. Quelle prime conversazioni e sessioni sono incredibilmente importanti perché stabiliscono le fondamenta da cui tutto il resto cresce.

C'è anche un aspetto molto personale nel lavorare su qualcosa per tutto quel tempo. In un certo senso, quando inizio un bodysuit, sto facendo una nuova amica che vedrò una volta al mese per i prossimi anni. Divento una presenza regolare nella vita di quella persona. A volte mi confida i suoi pensieri e le sue storie, e io mi fido di lei con i miei. Altre volte, ciò di cui ha bisogno da quell'appuntamento è semplicemente uno spazio dove può stare in silenzio. In ogni caso, si condivide una quantità considerevole di tempo e si attraversa insieme un processo molto fisico, quindi la relazione e la fiducia al suo interno contano enormemente per me.

Poi ci sono le sfide tecniche. Stai progettando su un corpo tridimensionale che si muove e può cambiare nel corso degli anni in cui ci lavori. Devi pensare ben oltre l'area immediatamente davanti a te e anticipare dove linee e forme viaggeranno alla fine, come si collegheranno le diverse sezioni e come funzionerà l'intera composizione una volta completata. Di solito inizio con il torso e lavoro verso l'esterno, quindi quelle prime sessioni riguardano l'allineamento anche in un altro senso: stabilire esattamente come il design appartiene a quel corpo particolare prima di iniziare a costruire la profondità e svilupparlo ulteriormente.

La coerenza nel tempo è un'altra sfida. Se lavoro su diverse sezioni di un'opera mese dopo mese, devo assicurarmi che le mie tecniche, gli inchiostri, l'approccio e il linguaggio visivo rimangano coerenti, affinché qualcosa creato in due anni sia ancora letto come un'unica opera coerente piuttosto che come una collezione di sessioni individuali.

E infine, c'è l'impegno pratico da parte di entrambi. Sono stata estremamente fortunata con i miei clienti perché le persone che si rivolgono a me per i bodysuit generalmente capiscono cosa stanno intraprendendo. Mantengo le mie tariffe costanti per tutta la durata del loro progetto e cerco di rendere sostenibili le sessioni regolari, perché per me la continuità del lavoro è molto più importante che guadagnare il più possibile da un singolo appuntamento.

In definitiva, nessuno dei due sa esattamente dove saranno le nostre vite tra due anni quando iniziamo. Stiamo impegnando il nostro tempo, la nostra fiducia e le nostre risorse in qualcosa che intendiamo portare avanti insieme. Penso che quell'incertezza, e la fiducia richiesta al suo interno, sia probabilmente la sfida più grande e anche una delle parti più significative del lavoro su questa scala.

4. C'è un artista, un tatuatore o un'altra persona creativa che ha influenzato significativamente il tuo lavoro?

Assolutamente. Sono stata incredibilmente fortunata, in particolare nelle prime fasi della mia carriera, di aver imparato in uno studio dove ero circondata da artisti estremamente talentuosi che sono diventati veri amici oltre che mentori. Kat Abdy e J Becerra in particolare hanno probabilmente avuto la più grande influenza diretta sul tatuatore che sono diventata finora.

C'erano mentre stavo sviluppando la mia comprensione del tatuaggio dalle fondamenta, quindi la loro influenza va ben oltre l'insegnarmi le abilità tecniche. Mi hanno aiutato a plasmare il modo in cui penso della composizione, della tecnica, della gerarchia visiva e di ciò che conta davvero all'interno di un design. Anche ora, rimangono persone a cui posso rivolgermi per un consiglio, con cui posso scambiare idee e collaborare. Sono incredibilmente grata per questo perché penso che l'ambiente in cui impari qualcosa diventi inevitabilmente parte delle fondamenta di come lo pratichi.

Oltre a questo, sono costantemente influenzata da altri artisti. Non deve necessariamente essere qualcuno il cui linguaggio visivo assomiglia al mio. Un artista che lavora su una scala completamente diversa o in uno stile diverso potrebbe avere una tecnica impeccabile da cui posso imparare; qualcun altro potrebbe avere una comprensione incredibile del valore e della profondità, o un approccio insolito alla composizione e alla forma. Penso che la comunità del tatuaggio nel suo complesso sia un'enorme fonte di ispirazione, e non voglio mai arrivare a un punto in cui smetto di guardare il lavoro degli altri con curiosità.

Molta della mia influenza proviene anche da fuori dal tatuaggio, in particolare dall'architettura. Quando viaggio, fotografo costantemente edifici, facciate, affreschi, ornamenti e dettagli strutturali. Il mio telefono è pieno di fotografie di cose che probabilmente sembrano completamente scollegate dal tatuaggio, ma alla fine qualche frammento di una forma, un ritmo o una composizione trova la sua strada nel modo in cui progetto.

Quindi, mentre Kat e J sono state senza dubbio le mie influenze dirette più forti come tatuatrice, l'ispirazione per me è molto più ampia di questo. Penso che se continui a guardare bene, c'è qualcosa da imparare quasi ovunque.

5. Quale opera ti ha richiesto più sessioni? Quanto tempo in totale?

Probabilmente sarebbe stato il primo bodysuit completo che ho realizzato. È in realtà piuttosto difficile calcolare il numero esatto di sessioni perché ci abbiamo lavorato costantemente per circa tre anni, facendo di solito una o due sessioni al mese, con ogni sessione che durava circa cinque o sei ore.

Quindi in tutto, sarebbero state centinaia di ore di tatuaggio. Con progetti di quella portata, dopo un po' smetto quasi di pensarci in termini di sessioni individuali. Diventano un processo continuo che si evolve gradualmente finché un giorno ti fermi e ti rendi conto di aver costruito insieme un intero bodysuit.

“Dipingere è come mi relaziono con me stessa.”

— Sofiya Belousova

6. Qual è la distanza più lunga che qualcuno ha percorso per farsi tatuare da te?

Ho avuto diversi clienti che hanno viaggiato dagli Stati Uniti e dal Canada, che probabilmente sarebbero stati i più lontani geograficamente. Ho anche persone che viaggiano regolarmente da tutta Europa, inclusa Svizzera e Germania.

Uno degli impegni più grandi, però, è venuto dal cliente con cui ho lavorato sul mio primo bodysuit completato. Originariamente stava viaggiando nel Regno Unito per le nostre sessioni, ma perché stavamo lavorando a un progetto a lungo termine di tale portata, alla fine ha deciso di trasferirsi — letteralmente dall'altra parte della strada dallo studio — in modo da poter venire per le sessioni regolarmente. Considerando che abbiamo lavorato sul bodysuit per circa tre anni, quello era un livello di impegno davvero straordinario!

7. Anche dipingi. Come si confronta il dipingere per te stessa con il progettare un tatuaggio per qualcun altro?

Dipingere e tatuare occupano spazi piuttosto diversi per me. Il tatuaggio è intrinsecamente relazionale, mentre dipingere è probabilmente una delle cose più introspettive che faccio.

Quando dipingo, ci sono pochissime limitazioni esterne. Non sto considerando l'anatomia, l'identità, le preferenze di qualcun altro o i requisiti pratici della creazione di qualcosa che vivrà permanentemente su un'altra persona. Invece, dipingere diventa un processo di scoperta. Mi chiedo dove mi trovo emotivamente e mentalmente in quel particolare momento, cosa sto cercando di capire, o forse cosa sto cercando di incarnare, e poi cerco un'immagine che possa esprimerlo.

Sono particolarmente attratta dal dipingere donne, e spesso la presenza che sto cercando di creare conta per me tanto quanto il soggetto stesso. A volte inizierò con l'interesse di esplorare una particolare abilità tecnica, specialmente perché dipingere è ancora qualcosa che sto sviluppando attivamente, ma inevitabilmente il processo diventa molto più personale di questo.

Una volta che inizio a lavorare sui dettagli, dipingere diventa quasi meditativo. Trascorrere ore immerse in un'immagine mi dà il tempo di andare dentro di me, riflettere ed elaborare tutto ciò che inizialmente mi ha fatto venire voglia di crearlo. In questo senso, il dipinto finito conta, ma conta anche tutto ciò che accade internamente mentre lo sto realizzando.

Il tatuaggio mi chiede qualcosa di diverso perché esiste nell'intersezione tra me e un'altra persona. È collaborativo, anche quando mi viene data completa libertà creativa, perché il lavoro deve comunque rispondere alla persona che lo indosserà — al suo corpo, alla sua identità e a tutto ciò che porta nel processo. Il mio linguaggio visivo è lì, ma incontra quello di qualcun altro.

Suppongo che la distinzione più semplice sia che il tatuaggio è, per me, in parte su come mi relaziono con gli altri. Dipingere è come mi relaziono con me stessa.

8. Pensi che i tatuaggi portino ancora lo stesso significato di decenni fa o che il loro significato culturale sia cambiato?

Probabilmente non sono la persona migliore per fare un confronto definitivo perché tatuo da quasi sei anni. Non lavoravo nel settore decenni fa, quindi qualsiasi cosa dicessi su come si sentiva la cultura del tatuaggio allora sarebbe stata inevitabilmente basata su ciò che ho imparato dagli altri piuttosto che su qualcosa che ho vissuto personalmente.

Di cui posso parlare è qualcosa che trovo interessante nel tatuaggio ora, ovvero la quantità di libertà che le persone sembrano provare sia nell'attribuire il proprio significato a ciò che indossano sia nel pensare ai propri corpi nel loro insieme.

Storicamente, molte immagini del tatuaggio hanno portato significati consolidati, sia che provenissero da culture, comunità, tradizioni o sottoculture particolari. Queste storie sono importanti, e penso che capire da dove provengono le immagini sia importante. Ma ciò che mi interessa del tatuaggio ora è che le persone non sentono necessariamente che un simbolo debba significare solo ciò che è stato detto loro che significhi.

Il significato di un tatuaggio può essere informato dalla storia senza essere completamente dettato da essa. Le persone portano le proprie esperienze, associazioni e ricordi alle immagini, e a volte qualcosa può avere un'enorme significato per una persona per ragioni che sarebbero completamente incomprensibili per chiunque altro.

Un’altra cosa che ho notato sempre più spesso nella mia attività è che le persone affrontano il tatuaggio con un’intenzione visiva molto più ampia fin dall’inizio. Ho avuto clienti con pochi tatuaggi, o addirittura nessuno, che si sono rivolti a me per iniziare un bodysuit. Invece di raccogliere singoli pezzi e riempire gradualmente lo spazio disponibile, pensano già al proprio corpo come a un’unica composizione completa: a come il design si svilupperà su di esso, a come le diverse aree si relazioneranno tra loro e a quale linguaggio visivo assumerà infine.

Forse questo è uno dei cambiamenti culturali di cui posso parlare dalla mia esperienza: sembra sempre più accettato che le persone considerino il corpo stesso come una tela, piuttosto che semplicemente come un luogo dove raccogliere design separati. Per il tipo di lavori su larga scala che faccio, è un cambiamento davvero interessante da osservare.

“Per me, il nero è un linguaggio compositivo.”

— Sofiya Belousova

9. Le convention ne valgono ancora la pena?

Quando ho iniziato a partecipare alle convention come artista, le persone dicevano già che non erano più come una volta e si chiedevano se ne valesse ancora la pena. Non ho davvero l’esperienza necessaria per fare questo confronto. Ho conosciuto le convention solo nella loro forma attuale.

Ho iniziato a parteciparvi molto presto nella mia carriera, ma questo è stato il primo anno in cui ho viaggiato molto e ho partecipato a più convention. Curiosamente, più ne ho partecipate, più le ho trovate preziose — forse non sempre per le ragioni che le persone usano tradizionalmente per valutare se una convention “ne valga la pena”.

Non vado alle convention principalmente per vendere merchandising o acquisire un certo numero di nuovi clienti. Per me, il loro valore è molto più ampio. È un’opportunità per immergersi completamente in un ambiente pieno di altre persone creative: per guardare artisti incredibilmente talentuosi all’opera, avere conversazioni che altrimenti non avrei, scambiare conoscenze, collaborare, creare nuovi contatti e tornare a casa con energia creativa.

Alcune delle persone che ho conosciuto attraverso le convention sono diventate davvero amici importanti. Altri incontri hanno portato a collaborazioni, opportunità o semplicemente a conversazioni che hanno cambiato il mio modo di pensare a qualcosa. C’è anche qualcosa di molto diverso nel vedere il lavoro di un altro artista realizzato fisicamente davanti a te, anziché fruirne attraverso uno schermo.

Naturalmente, le convention possono promuovere il tuo lavoro, ma penso che ciò avvenga in modo molto meno lineare rispetto a quanto ci si aspetterebbe, partecipando a una convention e calcolandone immediatamente il valore attraverso prenotazioni o vendite. A volte il valore è una relazione che si crea, qualcosa che si impara, un’idea che si porta a casa o un’opportunità che si presenta sei mesi dopo grazie a qualcuno incontrato lì.

Ci penso un po’ come alla differenza tra stare a casa a sfogliare libri d’arte e andare davvero in un museo. Puoi imparare e lasciarti ispirare da entrambi, ma essere fisicamente immerso in un ambiente in cui la creatività si manifesta tutto intorno a te è un’esperienza completamente diversa. È questo ciò che le convention mi offrono. Mi riconnettono con la più ampia comunità del tatuaggio e di solito torno a casa con voglia di creare.

10. Cosa si capisce male del heavy blackwork?

Penso che uno dei più grandi malintesi sia che il nero in sé sia il punto centrale.

Spesso si pensa che il heavy blackwork sia intrinsecamente pesante, dominante o visivamente opprimente a causa della quantità di nero pieno coinvolta. Io lo vedo quasi all’opposto. Per me, il nero è un linguaggio compositivo. Modella il corpo, crea una gerarchia e dà spazio e risalto a tutto ciò che esiste intorno e al suo interno.

A volte penso al nero nello stesso modo in cui penso a una pausa nella musica. Il silenzio non è vuoto: cambia il modo in cui si percepiscono le note circostanti. Visivamente, il nero può fare qualcosa di molto simile. Crea contrasto, controlla il percorso dello sguardo e offre agli elementi dettagliati uno spazio in cui esistere. Nel mio lavoro, le aree di nero pieno sono spesso lì appositamente per mettere in risalto i punti in cui il nero non c’è.

Ecco anche perché lo spazio negativo è così importante nel heavy blackwork. Quando si lavora con valori così forti, ogni pezzo di pelle intatta diventa parte della composizione. Il rapporto tra dettaglio, pelle e nero pieno è ciò che crea profondità e permette all’opera di scolpire il corpo anziché semplicemente coprirlo.

C’è anche l’idea sbagliata che il heavy blackwork debba essere eccezionalmente doloroso. Naturalmente, il tatuaggio fa male e ognuno lo vive in modo diverso, ma ho scoperto che molti clienti riescono a tollerare sorprendentemente bene le ampie aree di nero. La sensazione può essere piuttosto costante e, una volta trovato il ritmo, a volte si può entrare in uno stato quasi meditativo.

Quindi, per me, il heavy blackwork non riguarda davvero quanto nero si può mettere su un corpo. Riguarda la comprensione di ciò che quel nero fa: come cambia visivamente il corpo, come interagisce con la pelle intatta e i dettagli e come la sua presenza possa dare più forza a tutto il resto.

Lavori di tatuaggio di Sofiya Belousova.

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