Sofiya Belousova: Über Symbolik, Vertrauen und die Kunst der Bodysuits

Sofiya Belousovas Weg zum Tätowieren führte über Mode, Innenarchitektur und Design. In diesem Interview spricht sie über die persönliche Bedeutung hinter großformatigen Arbeiten, die Beziehungen, die sich im Laufe der Jahre des Tätowierens entwickelt haben, und die Rolle von Solid Black in einer Komposition.

1. Wann haben Sie zum ersten Mal gemerkt, dass das Tätowieren der Weg war, den Sie einschlagen wollten?

Kunst war in meinem Leben immer präsent, aber das Tätowieren kam tatsächlich relativ spät in mein Leben. Ich bin in Russland aufgewachsen, habe dort viel gezeichnet und während meiner Schulzeit Abendkurse an einer Architekturuniversität besucht. Als ich ins Vereinigte Königreich zog, widmete ich mich zunächst der Mode, dann der Kunst und dem Design und studierte schließlich Innenarchitektur. Ich liebte es, kreativ zu sein, aber zu diesem Zeitpunkt glaubte ich nicht wirklich, dass mir Kunst allein eine dauerhafte Karriere ermöglichen könnte.

Nach dem Studium arbeitete ich im Innendesign und gründete später ein Unternehmen für Heimtextilien, bei dem ich alles entwarf, von den Produkten selbst bis hin zum Branding und zur Website. Dann kam COVID, es wurde immer schwieriger, das Unternehmen auszubauen, und ich begann zu überdenken, was ich eigentlich machen wollte. Ich arbeitete als Freiberuflerin im Grafik- und Webdesign, um mich und meinen Sohn zu ernähren, aber ich wusste, dass ich mir etwas kreativer erfülltes wünschte.

Gegen diese Zeit ließ mir mein Freund J Becerra, der Besitzer des Studios, in dem ich heute arbeite, meinen Rücken tätowieren. Ich erzählte ihm, dass ich mir unsicher war, wohin mein Weg führen sollte, und sagte, dass ich etwas Künstlerischeres machen wollte, aber dennoch selbstständig bleiben wollte. Er sah mich einfach an und sagte: „Warum tätowierst du nicht?“

Und ich hatte wirklich keine Antwort.

Ich hatte Tattoos schon immer geliebt, besuchte Conventions und fühlte mich von der Branche und den Menschen darin angezogen, aber aus irgendeinem Grund hatte ich nie darüber nachgedacht, dass ich selbst tätowieren könnte. Als er es aber sagte, konnte ich nicht mehr aufhören, darüber nachzudenken. Plötzlich schien es unglaublich offensichtlich: Es verband Kunst, Unabhängigkeit, stetige kreative Weiterentwicklung und eine Gemeinschaft, in der ich mich bereits zu Hause fühlte.

Schließlich fragte ich J Becerra, ob ich im Studio eine Lehre beginnen könnte. Zu diesem Zeitpunkt gab es eigentlich keinen Platz für einen weiteren Lehrling, also schickte ich ihm eine Liste mit allen Gründen, warum ich meiner Meinung nach eine Bereicherung für das Team wäre, und sagte ihm, dass ich bereit sei, von Hertfordshire nach Ipswich zu ziehen, um es zu verwirklichen. Sie sagten ja, und innerhalb weniger Wochen war ich umgezogen und hatte meine Lehre begonnen.

Wenn ich zurückblicke, war das Tätowieren nicht etwas, das ich immer geplant hatte. Es war eher so, dass ich jahrelang herausgefunden hatte, was ich mir von einer Karriere wünschte, und dann plötzlich merkte, dass es einen Beruf gab, der all diese Dinge in sich vereinte.

„Für mich muss die Symbolik vor allem für die Person lesbar sein, die sie trägt.“

— Sofiya Belousova

2. Sie recherchieren Mythologie und Symbolik für Ihre Designs, insbesondere für Bodysuits. Gibt es einen Mythos oder ein Symbol, das immer wieder in Ihrer Arbeit vorkommt?

Ich recherchiere Mythologie und Symbolik ziemlich ausführlich, aber oft wird diese Recherche durch das ausgelöst, was meine Kunden mir mitbringen, und die Bedeutungen, die sie bestimmten Symbolen persönlich zuschreiben. Ich interessiere mich tatsächlich viel mehr für die persönliche Beziehung, die jemand zu einem Symbol, Element oder einer Personifikation entwickelt, als dafür, mich streng an dessen historischer Bedeutung zu orientieren. Für mich muss die Symbolik vor allem für die Person lesbar sein, die sie trägt.

Dazu gesagt, es gibt definitiv wiederkehrende Themen, zu denen ich natürlich hingezogen werde. Transformation, Schutz, Tod und Wiedergeburt, Identität, Stärke und Liminalität erscheinen in verschiedenen Formen in meiner gesamten Arbeit. Das sind weitreichende Ideen, aber sie können durch eine enorme Vielfalt an visuellen Sprachen ausgedrückt werden.

Bei Bodysuits im Besonderen ist die wiederkehrende Idee, die mir am wichtigsten ist, Empowerment. Ich möchte, dass sich jemand durch das Design, das er trägt, gestärkt fühlt, was auch immer das speziell für ihn bedeutet. Für die eine Person könnte das rein durch abstraktes Blackwork und die Art und Weise entstehen, wie die Formen mit ihrem Körper interagieren und ihn formen. Für jemand anderen könnte es in der Mythologie, einer bestimmten Blume, einem Vogel, einem Tier oder einem anderen Symbol verwurzelt sein, das eine sehr persönliche Bedeutung hat.

Manchmal entwerfe ich jedoch Bodysuits, ohne überhaupt eine bestimmte Person im Sinn zu haben. In diesen Fällen wird die symbolische Sprache unweigerlich persönlicher für mich. Ich greife meist auf das zurück, was ich zu diesem Zeitpunkt in meinem eigenen Leben durchmache oder verarbeite — was mich in diesem Moment stärken würde, welche Geschichte ich gerade erlebe und was mich dazu bringen würde, mich durch meine eigene Kunst gesehen oder verstanden zu fühlen. Diese Designs werden fast zu einem Protokoll dessen, wo ich psychologisch und emotional stand, als ich sie geschaffen habe.

Ich glaube also nicht, dass es einen bestimmten Mythos oder ein Symbol gibt, zu dem ich immer wieder zurückkehre. Vielmehr ist Empowerment der Faden, der sich durch die Arbeit zieht, und Mythologie und Symbolik sind einige der Sprachen, die ich verwende, um es auszudrücken.

3. Was ist schwierig an großen Projekten wie Bodysuits oder sehr großen Arbeiten?

Für mich ist der wichtigste — und wahrscheinlich auch der anspruchsvollste — Teil derjenige, der stattfindet, bevor überhaupt viel getätowiert wurde. Es geht darum, sicherzustellen, dass mein Kunde und ich wirklich auf einer Linie sind.

Ein Bodysuit ist eine langfristige Verpflichtung, die oft mehrere Jahre umfasst, daher muss diese Übereinstimmung sowohl beruflich als auch persönlich bestehen. Wir müssen in der Lage sein, gut zu kommunizieren, eine beschreibende Sprache zu finden, die es uns ermöglicht, das Design gemeinsam zu entwickeln, und darauf vertrauen, dass wir die Richtung verstehen, in die wir uns bewegen. Diese ersten Gespräche und Sitzungen sind unglaublich wichtig, weil sie das Fundament schaffen, auf dem alles andere aufbaut.

Es gibt auch einen sehr persönlichen Aspekt bei der Arbeit an etwas über einen so langen Zeitraum. In gewisser Weise schließe ich, wenn ich mit einem Bodysuit beginne, einen neuen Freund, den ich in den nächsten Jahren einmal im Monat sehen werde. Ich werde zu einer regelmäßigen Bezugsperson im Leben dieser Person. Manchmal vertraut mir diese Person ihre Gedanken und Geschichten an, und ich vertraue ihr meine an. Andere Male braucht sie bei diesem Termin einfach einen Raum, in dem sie schweigen kann. So oder so, man teilt eine beträchtliche Menge an Zeit und durchläuft gemeinsam einen sehr körperlichen Prozess, daher sind die Beziehung und das Vertrauen darin für mich von enormer Bedeutung.

Dann sind da noch die technischen Herausforderungen. Man entwirft auf einem dreidimensionalen Körper, der sich bewegt und sich im Laufe der Jahre, in denen man daran arbeitet, verändern kann. Man muss weit über den Bereich hinausdenken, der einem unmittelbar vorliegt, und voraussehen, wohin Linien und Formen schließlich führen werden, wie sich die verschiedenen Abschnitte verbinden und wie die gesamte Komposition wirken wird, sobald sie fertig ist. Ich beginne normalerweise am Torso und arbeite mich nach außen vor, daher geht es bei diesen ersten Sitzungen auch in einem anderen Sinne um Übereinstimmung: genau festzulegen, wie das Design zu diesem bestimmten Körper gehört, bevor wir beginnen, Tiefe zu erzeugen und es weiterzuentwickeln.

Konsistenz über die Zeit ist eine weitere Herausforderung. Wenn ich Monat für Monat an verschiedenen Abschnitten eines Werks arbeite, muss ich sicherstellen, dass meine Techniken, Tinten, mein Ansatz und meine visuelle Sprache konsistent bleiben, damit etwas, das über zwei Jahre hinweg geschaffen wurde, immer noch als ein kohärentes Werk und nicht als eine Sammlung einzelner Sitzungen wahrgenommen wird.

Und schließlich gibt es die praktische Verpflichtung von uns beiden. Ich hatte großes Glück mit meinen Kunden, denn die Menschen, die mich für Bodysuits ansprechen, verstehen im Allgemeinen, was sie sich da aufbürden. Ich halte meine Preise während ihres gesamten Projekts konstant und versuche, regelmäßige Sitzungen nachhaltig zu gestalten, denn für mich ist die Kontinuität der Arbeit viel wichtiger, als bei einem einzelnen Termin so viel wie möglich zu verdienen.

Letztendlich wissen wir beide nicht genau, wo unser Leben in zwei Jahren sein wird, wenn wir beginnen. Wir verpflichten unsere Zeit, unser Vertrauen und unsere Ressourcen für etwas, das wir gemeinsam durchziehen wollen. Ich denke, dass diese Ungewissheit und das Vertrauen, das sie erfordert, wahrscheinlich die größte Herausforderung und zugleich einer der bedeutungsvollsten Teile der Arbeit in diesem Maßstab sind.

4. Gibt es einen Künstler, Tätowierer oder eine andere kreative Person, die Ihre Arbeit maßgeblich beeinflusst hat?

Absolut. Ich hatte unglaublich großes Glück, besonders in den frühen Phasen meiner Karriere, in einem Studio lernen zu dürfen, in dem ich von äußerst talentierten Künstlern umgeben war, die zu echten Freunden sowie Mentoren wurden. Kat Abdy und J Becerra haben wahrscheinlich den größten direkten Einfluss auf die Tätowiererin gehabt, die ich bis heute geworden bin.

Sie waren dabei, als ich mein Verständnis des Tätowierens von Grund auf entwickelte, daher geht ihr Einfluss weit über das Vermitteln technischer Fähigkeiten hinaus. Sie haben dazu beigetragen, die Art und Weise zu prägen, wie ich über Komposition, Technik, visuelle Hierarchie und das denke, was in einem Design wirklich zählt. Auch heute noch sind sie Menschen, an die ich mich wenden kann, um Rat einzuholen, Ideen auszutauschen und mit denen ich zusammenarbeiten kann. Ich bin unglaublich dankbar dafür, denn ich glaube, dass die Umgebung, in der man etwas lernt, unweigerlich Teil des Fundaments wird, auf dem man es ausübt.

Darüber hinaus werde ich ständig von anderen Künstlern beeinflusst. Es muss nicht unbedingt jemand sein, dessen visuelle Sprache der meinen ähnelt. Ein Künstler, der an einem völlig anderen Maßstab oder in einem anderen Stil arbeitet, könnte eine makellose Technik haben, von der ich lernen kann; jemand anderes könnte ein unglaubliches Verständnis für Werte und Tiefe oder einen ungewöhnlichen Ansatz für Komposition und Form haben. Ich denke, dass die Tätowier-Community als Ganzes eine enorme Inspirationsquelle ist, und ich möchte nie an einen Punkt gelangen, an dem ich aufhöre, die Arbeiten anderer Menschen mit Neugierde zu betrachten.

Ein großer Teil meines Einflusses kommt auch von außerhalb des Tätowierens, insbesondere aus der Architektur. Wenn ich reise, fotografiere ich ständig Gebäude, Fassaden, Fresken, Ornamente und strukturelle Details. Mein Handy ist voll von Fotografien von Dingen, die wahrscheinlich völlig unzusammenhängend mit dem Tätowieren wirken, aber irgendwann findet ein Fragment einer Form, eines Rhythmus oder einer Komposition seinen Weg in meine Art des Designs.

Während Kat und J zweifellos meine stärksten direkten Einflüsse als Tätowiererin waren, ist Inspiration für mich viel breiter gefasst. Ich denke, wenn man weiterhin richtig hinsieht, gibt es fast überall etwas zu lernen.

5. Welches Werk hat die meisten Sitzungen in Anspruch genommen? Wie lange war es insgesamt?

Das war wahrscheinlich der erste vollständige Bodysuit, den ich fertiggestellt habe. Es ist eigentlich ziemlich schwierig, die genaue Anzahl der Sitzungen zu berechnen, weil wir über ungefähr drei Jahre hinweg kontinuierlich daran gearbeitet haben, meistens ein- oder zweimal im Monat, wobei jede Sitzung etwa fünf bis sechs Stunden dauerte.

Insgesamt waren es also mehrere hundert Stunden Tätowieren. Bei Projekten in diesem Maßstab denke ich nach einer Weile fast nicht mehr in Begriffen einzelner Sitzungen darüber nach. Sie werden zu einem fortlaufenden Prozess, der sich allmählich entwickelt, bis man eines Tages zurücktritt und merkt, dass man gemeinsam einen ganzen Bodysuit geschaffen hat.

„Malen ist die Art, wie ich mich selbst erfahre.“

— Sofiya Belousova

6. Wie weit ist jemand gefahren, um von Ihnen tätowiert zu werden?

Ich hatte mehrere Kunden, die aus den USA und Kanada angereist sind, was wahrscheinlich die größte geografische Entfernung war. Ich habe auch regelmäßig Menschen aus ganz Europa, einschließlich der Schweiz und Deutschlands, bei mir begrüßen.

Eines der größten Engagements kam jedoch von der Kundin, mit der ich an meinem ersten fertiggestellten Bodysuit gearbeitet habe. Sie reiste ursprünglich innerhalb des Vereinigten Königreichs zu unseren Sitzungen, aber weil wir an einem so großen, langfristigen Projekt arbeiteten, beschloss sie schließlich, umzuziehen — buchstäblich auf die andere Straßenseite des Studios —, damit sie regelmäßig zu den Sitzungen kommen konnte. In Anbetracht dessen, dass wir etwa drei Jahre lang am Bodysuit gearbeitet haben, war das ein ziemlich außergewöhnliches Maß an Engagement!

7. Sie malen auch. Wie unterscheidet sich das Malen für sich selbst vom Entwerfen eines Tattoos für jemand anderen?

Malen und Tätowieren nehmen für mich völlig unterschiedliche Räume ein. Tätowieren ist von Natur aus relational, während Malen wahrscheinlich eine der nach innen gerichteten Dinge ist, die ich tue.

Wenn ich male, gibt es nur sehr wenige äußere Einschränkungen. Ich muss nicht die Anatomie, Identität oder Vorlieben einer anderen Person berücksichtigen oder die praktischen Anforderungen an die Schaffung von etwas, das dauerhaft auf einer anderen Person leben wird. Stattdessen wird das Malen zu einem Entdeckungsprozess. Ich frage mich, wo ich emotional und mental zu diesem bestimmten Zeitpunkt stehe, was ich zu verstehen versuche oder vielleicht verkörpern möchte, und suche dann nach einem Bild, das es ausdrücken kann.

Ich bin besonders vom Malen von Frauen angezogen, und oft ist die Präsenz, die ich schaffen möchte, für mich genauso wichtig wie das Motiv selbst. Manchmal beginne ich mit dem Interesse, eine bestimmte technische Fertigkeit zu erkunden, vor allem weil Malen immer noch etwas ist, das ich aktiv entwickle, aber unweigerlich wird der Prozess viel persönlicher als das.

Sobald ich anfange, in die Details einzutauchen, wird das Malen fast meditativ. Stunden in ein Bild einzutauchen, gibt mir Zeit, nach innen zu gehen, zu reflektieren und zu verarbeiten, was mich ursprünglich dazu gebracht hat, es zu erschaffen. In diesem Sinne ist das fertige Gemälde wichtig, aber auch alles, was sich intern abspielt, während ich es mache.

Tätowieren stellt andere Anforderungen an mich, weil es in der Schnittmenge zwischen mir und einer anderen Person existiert. Es ist kollaborativ, selbst wenn ich vollständige kreative Freiheit habe, weil die Arbeit immer noch auf die Person reagieren muss, die sie tragen wird — auf ihren Körper, ihre Identität und alles, was sie in den Prozess einbringt. Meine visuelle Sprache ist da, aber sie trifft auf die einer anderen Person.

Ich denke, die einfachste Unterscheidung ist, dass Tätowieren für mich zum Teil davon handelt, wie ich mich zu anderen Menschen verhalte. Malen ist die Art, wie ich mich zu mir selbst verhalte.

8. Glauben Sie, dass Tattoos noch dieselbe Bedeutung haben wie vor Jahrzehnten, oder hat sich ihre kulturelle Bedeutung verändert?

Ich bin wahrscheinlich nicht die beste Person, um einen endgültigen Vergleich anzustellen, weil ich erst seit fast sechs Jahren tätowiere. Ich habe vor Jahrzehnten nicht in der Branche gearbeitet, daher wäre alles, was ich über das Gefühl der Tattoo-Kultur damals sagen würde, unweigerlich auf dem, was ich von anderen gelernt habe, und nicht auf etwas, das ich selbst erlebt habe, basieren.

Wovon ich sprechen kann, ist etwas, das ich jetzt am Tätowieren interessant finde: die Menge an Freiheit, die die Menschen zu haben scheinen, sowohl bei der Zuweisung ihrer eigenen Bedeutung zu dem, was sie tragen, als auch bei der Betrachtung ihres Körpers als Ganzes.

Historisch gesehen war viel Tattoo-Bildsprache mit etablierten Bedeutungen verbunden, unabhängig davon, ob diese aus bestimmten Kulturen, Gemeinschaften, Traditionen oder Subkulturen stammten. Diese Geschichten sind wichtig, und ich denke, es ist wichtig zu verstehen, woher die Bildsprache kommt. Aber was mich jetzt am Tätowieren interessiert, ist, dass die Menschen nicht unbedingt das Gefühl haben, dass ein Symbol nur das bedeuten muss, was man ihnen gesagt hat.

Die Bedeutung eines Tattoos kann von der Geschichte geprägt sein, ohne vollständig von ihr diktiert zu werden. Die Menschen bringen ihre eigenen Erfahrungen, Assoziationen und Erinnerungen in die Bildsprache ein, und manchmal kann etwas für eine Person aus Gründen von enormer Bedeutung sein, die für jeden anderen völlig unlesbar wären.

Etwas anderes, was mir in meiner eigenen Arbeit zunehmend auffällt, ist, dass Menschen das Tätowieren von Anfang an mit einer viel umfassenderen visuellen Intention angehen. Ich hatte Kunden, die wenig oder gar keine bestehenden Tattoos hatten und zu mir kamen, weil sie mit einem Bodysuit beginnen wollten. Anstatt einzelne Motive sammeln und den verfügbaren Platz nach und nach füllen zu wollen, denken sie bereits darüber nach, ihren Körper als eine einzige, vollständige Komposition zu betrachten – wie das Design darüber fließen wird, wie die verschiedenen Bereiche zueinander stehen und welche visuelle Sprache es am Ende insgesamt haben wird.

Vielleicht ist das einer der kulturellen Umbrüche, über die ich aus eigener Erfahrung sprechen kann: Es scheint zunehmend akzeptiert zu sein, den Körper selbst als Leinwand zu betrachten, anstatt ihn lediglich als Ort zu sehen, an dem man einzelne Designs sammelt. Für die Art von großformatiger Arbeit, die ich mache, ist das eine wirklich interessante Veränderung, die ich miterleben darf.

„Für mich ist Schwarz eine kompositorische Sprache.“

— Sofiya Belousova

9. Lohnt sich der Besuch von Conventions noch?

Als ich anfing, als Künstlerin an Conventions teilzunehmen, sagten die Leute bereits, dass Conventions nicht mehr das waren, was sie einmal waren, und stellten infrage, ob sie sich noch lohnten. Ich habe eigentlich nicht die Erfahrung, diesen Vergleich anzustellen. Ich habe Conventions nur in ihrer heutigen Form erlebt.

Ich habe schon sehr früh in meiner Karriere angefangen, an Conventions teilzunehmen, aber dies ist das erste Jahr, in dem ich ausgiebig gereist und an mehreren Conventions teilgenommen habe. Interessanterweise finde ich sie umso wertvoller, je öfter ich dabei war – wenn auch vielleicht nicht immer aus den Gründen, die Menschen traditionell verwenden, um zu messen, ob sich eine Convention „lohnt“.

Ich gehe nicht wirklich mit der primären Absicht zu Conventions, um Merchandise zu verkaufen oder eine bestimmte Anzahl neuer Kunden zu gewinnen. Für mich ist ihr Wert viel umfassender. Es ist eine Gelegenheit, völlig in eine Umgebung voller anderer kreativer Menschen einzutauchen: unglaublich talentierte Künstler bei der Arbeit zu beobachten, Gespräche zu führen, die ich sonst nicht führen würde, Wissen auszutauschen, zusammenzuarbeiten, neue Kontakte zu knüpfen und nach Hause zu kommen, kreativ inspiriert.

Einige der Menschen, die ich durch Conventions kennengelernt habe, sind zu wirklich wichtigen Freunden geworden. Andere Begegnungen haben zu Kooperationen, Möglichkeiten oder einfach zu Gesprächen geführt, die meine Sichtweise auf etwas verändert haben. Und es ist auch etwas ganz anderes, die Arbeit eines anderen Künstlers physisch vor sich entstehen zu sehen, anstatt sie auf einem Bildschirm zu erleben.

Natürlich können Conventions deine Arbeit bewerben, aber ich denke, dass das auf eine viel weniger lineare Weise geschieht, als zu erwarten, dass man an einer teilnimmt und ihren Wert sofort anhand von Buchungen oder Verkäufen berechnet. Manchmal ist der Wert eine Beziehung, die man knüpft, etwas, das man lernt, eine Idee, die man mit nach Hause nimmt, oder eine Gelegenheit, die sechs Monate später wegen einer Person auftaucht, die man dort getroffen hat.

Ich vergleiche es ein wenig mit dem Unterschied zwischen dem Sitzen zu Hause und dem Durchblättern von Kunstbüchern und dem tatsächlichen Besuch eines Museums. Man kann aus beidem lernen und inspiriert werden, aber physisch in einer Umgebung versunken zu sein, in der um einen herum Kreativität entsteht, ist eine völlig andere Erfahrung. Das ist es, was Conventions mir bieten. Sie verbinden mich wieder mit der breiteren Tattoo-Community, und normalerweise komme ich nach Hause und möchte sofort etwas erschaffen.

10. Was verstehen die Menschen falsch über Heavy Blackwork?

Ich denke, eines der größten Missverständnisse ist, dass die schwarze Farbe selbst der eigentliche Punkt ist.

Menschen gehen oft davon aus, dass Heavy Blackwork aufgrund der Menge an massivem Schwarz von Natur aus schwer, dominierend oder visuell überwältigend ist. Ich sehe es fast ganz anders. Für mich ist Schwarz eine kompositorische Sprache. Es formt den Körper, schafft Hierarchie und gibt allem Raum und Betonung, was sich um und in ihm herum befindet.

Manchmal denke ich über Schwarz genauso nach wie über eine Pause in der Musik. Die Stille ist nicht leer – sie verändert, wie man die Noten um sie herum erlebt. Schwarz kann visuell etwas sehr Ähnliches bewirken. Es schafft Kontrast, steuert, wohin das Auge wandert, und gibt detaillierten Elementen einen Ort, an dem sie existieren können. In meiner Arbeit sind die Bereiche mit massivem Schwarz oft genau dazu da, die Stellen zu betonen, an denen kein Schwarz ist.

Deshalb ist auch der Negativraum im Heavy Blackwork so wichtig. Wenn man mit solch starken Werten arbeitet, wird jeder unberührte Stückchen Haut Teil der Komposition. Die Beziehung zwischen Detail, Haut und massivem Schwarz ist es, die Tiefe erzeugt und es dem Werk ermöglicht, den Körper zu formen, anstatt ihn einfach nur zu bedecken.

Es gibt auch das Missverständnis, dass Heavy Blackwork außergewöhnlich schmerzhaft sein muss. Natürlich ist Tätowieren schmerzhaft und jeder erlebt es anders, aber ich habe festgestellt, dass sich viele Kunden tatsächlich überraschend gut an große Bereiche mit Schwarz gewöhnen. Das Gefühl kann sehr gleichmäßig sein, und sobald jemand einen Rhythmus darin findet, kann er manchmal in einen fast meditativen Zustand verfallen.

Für mich geht es bei Heavy Blackwork also nicht wirklich darum, wie viel Schwarz man auf einen Körper bringen kann. Es geht darum zu verstehen, was dieses Schwarz bewirkt – wie es den Körper visuell verändert, wie es mit unberührter Haut und Details interagiert und wie seine Präsenz allem anderen mehr Kraft verleihen kann.

Tattoo-Arbeiten von Sofiya Belousova.

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